THE WAR AND  TREATY

Fundados en 2014 por el dúo de marido y mujer Michael Trotter Jr. y Tanya Trotter, The War And Treaty se han convertido en uno de los nuevos actos más electrizantes de la música estadounidense. Recientemente obtuvieron sus primeras nominaciones al GRAMMY como Mejor Artista Nuevo y Mejor Canción de Raíces por “Blank Page”. Este año también recibieron su primera nominación a Dúo del Año de la Asociación de Música Country y nominación a Dúo Vocal de la Academia de Música Country. Además del reconocimiento del Salón de la Fama de la Música Country, el Salón de la Fama del Rock & Roll, el Grand Ole Opry y la Asociación de Música Americana, incluido el premio AMA Dúo/Grupo del Año por segundo año consecutivo.

Con una mezcla sonora de corazón de león, rugiendo con pasión y tierna al tacto, señala The Tennessean, «no se parecen a ningún otro acto musical». El álbum, “Lover’s Game” (Mercury Nashville), recibió elogios de la crítica y Associated Press afirmó: «La pareja colosalmente talentosa continúa su viaje comando y sin límites hacia la cima del mundo de la música». Ganándose el respeto en todos los ámbitos, han aparecido como colaboradores de primer nivel, incluido el último “Hey Driver” con Zach Bryan. La banda ha cautivado al público de todo el mundo, desde América del Norte hasta Europa, Australia y más allá, mientras encabeza sus propios espectáculos y han sido teloneros de muchas leyendas vivas: Al Green, Brandi Carlile, Chris Stapleton, Jason Isbell, John Legend, Van Morrison, …

La suya es música inspirada en la oscuridad y la desesperación que finalmente encuentra un propósito espiritual más elevado. Para Michael Trotter Jr., el viaje comenzó en 2004, cuando llegó a Irak. Era un soldado sin experiencia, azotado por el miedo y la duda. Su capitán se propuso como misión personal velar por la supervivencia de Trotter. La unidad estaba acampada en uno de los palacios privados de Saddam Hussein, y en un rincón olvidado de su sótano encontraron un piano vertical negro que alguna vez perteneció al propio dictador.

Cuando Trotter compartió el hecho de que podía cantar, lo alentaron a aprender por sí mismo a tocar el piano en ese teclado confiscado. “Escribí mi primera canción después de que mataron al capitán. La canté en su memorial en Irak». Poco después, su misión se convirtió en cantar en los servicios conmemorativos de los que habían caído. Durante los siguientes tres años, cantó canciones que trajeron consuelo y consuelo a los miembros de su unidad. Con el tiempo, sus esfuerzos también obtuvieron un reconocimiento más amplio.

Después de licenciarse, conoció a Tanya Blount. Blount, una artista experimentada cuyas influencias musicales incluyen a Mahalia Jackson, Dolly Parton, Sister Odette y Aretha Franklin, quedó asombrada con Michael. “Su personalidad me atrajo al principio y luego las chispas empezaron a volar. Sabía que estaba enganchada”, recuerda Tanya. Los dos se enamoraron, se casaron y utilizaron las experiencias adquiridas para crear una nueva colaboración musical. Luego, la pareja consiguió los servicios de músicos cuyas habilidades añaden un sonido distintivo a la mezcla de música de raíces, bluegrass, folk, gospel y soul de The War and Treat.

El resto es historia, unos trabajos cada vez mejores que les han colocado como uno de los dúos más reconocidos de la escena soul-country-americana. Por primera vez en España, su concierto promete ser uno de los momentos más grandes de Huercasa 2024.

THE WONDER WOMEN OF COUNTRY

Melissa Carper, Brennen Leigh y Kelly Willis. ¡Vaya tres nombres! Si por separado ya imponen respeto, ¿que decir cuando están juntas? Tres de las mujeres más poderosas del país han unido fuerzas para salvar la música country y vencer las fuerzas del mal. Kelly Willis, Brennen Leigh y Melissa Carper se han unido oficialmente en lo que se llama Wonder Women of Country, y definitivamente estamos de celebración al saber que van a visitar nuestro país.

Aunque las tres habían colaborado entre sí antes, fue a finales de 2021 cuando Kelly Willis se acercó a Brennen Leigh y Melissa Carper y les preguntó si querían tocar en algunos shows juntas. No fue Willis quien les pidió que fueran su banda de acompañamiento. En cambio, las tres mujeres tendrían la oportunidad de mostrar sus habilidades de canto y composición mientras las tres colaboraban en las canciones de las demás.

Wonder Women of Country han descubierto que, juntas, sus propios superpoderes individuales cobran vida. (Uno de sus superpoderes es poder encontrar tesoros escondidos en cualquier tienda de segunda mano o vintage). Con Leigh tocando la guitarra solista y la mandolina, Carper en el contrabajo y Willis tocando la guitarra rítmica, van tocando el material original de cada una de ellas con hermosas armonías a tres voces.

«En cada show, la gente preguntaba si teníamos discos juntos. Después de meses y meses de eso, finalmente encontramos la oportunidad de hacer uno». En febrero el trío lanzó su primer sencillo llamado “Another Broken Heart” con Kelly Willis como cantante principal. «Esta es una canción que escuché a Monte Warden y Bruce Robinson empezar a escribir en la otra habitación. Estaba tan enamorada del verso que escuché, que no pude evitar involucrarme por completo en el tema de esta canción. Escribí un puente y un coro y a los chicos no pareció importarles que me colara en su fiesta. Es una canción clásica de llanto en tu desamor por la cerveza con una especie de sentimiento country/pop al estilo de los 70”.

Su EP de seis canciones, Wonder Women of Country: Willis, Carper, Leigh, se grabó en Bismeaux on the Hill en Austin, TX, en diciembre de 2023. Incluye dos canciones de cada artista, incluidas un par de Carper/Leigh, más una melodía reinventada de John Prine. Cada tema captura la magia que las tres crean noche tras noche en la carretera. Wonder Women of Country son las super heroínas que todos estábamos esperando.

El discose lanzó oficialmente durante una presentación en el legendario Waterloo Records de Austin dentro del fin de semana de los clásicos Premios Ameripolitan . Las tres mujeres tienen caché en la escena country. Kelly Willis ya es considerada parte de la realeza musical de Texas como compositora e intérprete, y no necesita presentación. Brennen Leigh pasó años en Texas y, más recientemente, en Nashville y sus canciones fueron grabadas por Lee Ann Womack, Rodney Crowell, Sunny Sweeney, Charley Crockett y otros. Sus dos últimos álbumes en solitario, especialmente “Ain’t Through Honky Tonkin’ Yet”, son espectaculares. Se ha convertido en una de las favoritas indiscutibles de nuestra redacción. Melissa Carper ha estado tocando el bajo y cantando durante muchos años, pero finalmente se convirtió en una auténtica solista con sus álbumes ”Daddy’s Country Gold”  y ”Ramblin’ Soul”, que recibieron elogios de la crítica. También se rumorea que tiene un nuevo álbum en camino este verano.

La unión hace la fuerza, así que estas tres mujeres talentosas juntas podrían incluso ser más que la suma de sus partes.

A THOUSAND HORSES

A Thousand Horses es una banda formada en 2010 en Nashville. La banda está compuesta por Michael Hobby (voz principal), Bill Satcher (guitarra principal), Zach Brown (guitarra y voz) y Graham Deloach (bajo y voz). Su primer EP, A Thousand Horses, fue lanzado bajo Interscope Records en 2010. Michael y Bill crecieron en Carolina del Sur, donde comenzaron a escribir canciones a la edad de 15 años. El primo de Satcher, Graham DeLoach, se unió al dúo poco después. Un amigo finalmente les presentó a Zach Brown, nativo de Atlanta, y formaron A Thousand Horses, nombre que proviene de una canción de su primer EP.

Rock & Roll, country o americana, elijan cualquier de estos tres géneros y se podrá definir el sonido de la banda. Pero dejemos que se definan ellos: “Crecimos con el rock and roll y también fuimos influenciados por el country desde el principio. Cuando conseguimos guitarras siendo adolescentes, nos sumergimos en el rock and roll. Consigues una guitarra, una revista y tratas de aprenderte ‘Stairway to Heaven’ o cualquier canción de Led Zeppelin que puedas aprender”, recuerda. Para nosotros, realmente es una mezcla de la influencia sureña de donde venimos, en Carolina del Sur y Georgia, y ese lado country es de cosecha propia, también con un elemento de rock and roll de influencias que teníamos de Black Crowes a Oasis a los Foo Fighters. Nuestro espectáculo es un concierto de country rock. Es simplemente buen rock and roll sureño y música country, combinados con mucha influencia de Heartland Americana”.

El nuevo y potente sencillo de A Thousand Horses, “Highway Sound”, marca el comienzo de la era más dinámica hasta ahora en la carrera de la banda con sede en Nashville. Producido por el ganador del premio GRAMMY Jon Randall, el himno tremendamente afirmativo de la vida profundiza en la originalidad libre que han adoptado desde su debut producido por Dave Cobb, “SOUTHERNALITY”, que incluía el éxito “Smoke”, y fusiona ingeniosamente elementos del estilo sureño, rock, country clásico y música americana intensa. Además de adornar la pista con muchos detalles llamativos (logrados en parte a través de instrumentación de centro izquierda como sitar eléctrico y talkbox), A Thousand Horses capturan completamente lo que el líder Michael Hobby llama «la libertad de cortar lazos con la negatividad del pasado y poner tu energía en celebrar un nuevo comienzo”.

Escrito después de un período de intensos cambios en sus vidas personales, “Highway Sound” tomó forma por primera vez durante un viaje de fin de semana a una granja de Texas en el verano de 2021, durante el cual Hobby, el guitarrista Bill Satcher, el bajista Graham DeLoach y el ex guitarrista Zach A Brown se le ocurrió la canción durante una sesión improvisada en el porche. Un gran salto adelante para A Thousand Horses, “Highway Sound” destaca la poderosa musicalidad y la urgencia conmovedora reveladas por primera vez en “SOUTHERNALITY”, su LP de 2015 que alcanzó el puesto número 3 en la lista Top Country Albums de Billboard, con “Smoke” ganando reconocimiento como primer single con el que un grupo alcanzó el número 1 en las listas Country Airplay en la década.

Poco después de lanzar su propio sello, Highway Sound Records, A Thousand Horses regresaron con su segundo álbum, “BROKEN HEARTLAND”, que incluía temas destacados como “When I Hear Your Name”, “Another Mile” y “Never Liked the Rain”. Conocidos por su incendiario show en vivo, A Thousand Horses también ha realizado giras por el país con leyendas como Lynyrd Skynyrd, Darius Rucker, Jason Aldean, Kid Rock y más.

KAITLIN BUTTS

El auténtico estilo country y el estilo dramático de Kaitlin Butts nos sorprendieron en su último disco de apenas siete canciones, “What Else Can You Do”. A pesar de su brevedad, lo llevamos a nuestro top de discos de 2022 porque lo merecía: ni un segundo de desperdicio en un trabajo fantástico, que la consagraba como una cantante a tener muy en cuenta. Nacida en Tulsa, Oklahoma; siempre ha preferido ir poco a poco, grabando single tras single sin nada de material de relleno.

Pasó su infancia y sus años de formación en gimnasia y teatro musical mientras «simplemente era una niña que tocaba la guitarra en su dormitorio», y luego le ofrecieron asistir a la universidad en la Academia de Música Contemporánea de la Universidad de Central Oklahoma. La escuela, fundada por Steven Drozd y Scott Booker, respectivamente, guitarrista y manager de Flaming Lips, en 2009, ofrece educación en el negocio de la música y un curso intensivo de desarrollo como intérprete. «La narración y composición de canciones han estado en mi sangre durante toda mi vida”.

El tiempo pasado durante y después de la universidad en Stillwater, el legendario Gypsy Cafe Festival de Oklahoma, impulsado por compositores (en honor a Bob Childers, el padrino de la música country «red dirt» del medio oeste), y el tiempo que pasó al sur de Oklahoma en el competitivo mercado del norte de Texas demostró esencial para el crecimiento artístico de Butts.

Su álbum «What Else Can She Do» la consagró, transportando al oyente a historias que narraban historias femeninas traumáticas. Es un disco pesado de canciones tristes que tratan sobre la violencia doméstica (la canción principal), el abuso de drogas («She’s uses»), el abuso familiar ( «blood») y quizás la balada asesina definitiva de la música blues, country y folk: una versión de Leadbelly. «In The Pines», que tiene sus raíces en 1870 y que recordamos en versiones tan memorables como la de Nirvana. La aparición de la drag queen de Texas Paris Van Cartier junto a ella como camarera del Hamburger Inn en Ardmore, Oklahoma en el vídeo de «What Else Can She Do» tenía mucho de reivindicación de todas las feminidades.

SUMMER DEAN

Summer Dean ofrece un espectáculo increíble. Armada con tres álbumes, giras constantes y una banda de cinco integrantes detrás de ella, Summer se pavonea en cada escenario con la confianza y la vulnerabilidad de una cantante que ha consolidado su lugar entre los mejores músicos de Texas. Su show en vivo lleva al asistente al concierto a un viaje de canciones originales que destilan valentía, vulnerabilidad y el ojo de un novelista para los detalles. Ya sea con su banda completa o sola, los oyentes y espectadores disfrutan de una narradora auténtica, divertida y honesta que se abre camino hacia un estatus legendario. Summer, recientemente nombrada Artista Femenina del Año de los Texas Country Music Awards, ha actuado con una variedad de figuras del country, incluidos Colter Wall, Marty Stuart, Asleep at the Wheel, Hayes Carll o Charley Crockett.

Hay una crudeza y una realidad en las canciones de Dean que la distinguen como una compositora de verdadera sustancia. No es de extrañar que leyendas de Texas como Bruce Robison quisieran producir su álbum basándose en la fuerza de las demos grabadas con iPhone de Dean, calificando su trabajo de “vigorizante”.

Su franqueza es palpable en cada sílaba y sonido del nuevo disco del aclamado cantautor, “The Biggest Life”, un documento profundo y vívido del poder que tiene como compositora. “Estoy muy orgullosa de mí misma y de este disco. Es lo más real y vulnerable que he escrito nunca».

Puedes escuchar la humanidad ganada con tanto esfuerzo en “Big Ol Truck”, una oda irónica a la realidad que no siempre coincide con las expectativas, tal como puedes escucharla en el aturdido remolino de cantina de “She’s in His Arms, But I’m in the Palm of His Hand”, y particularmente en el cierre demoledor del álbum, “Lonely Girl’s Lament”, el momento más formidable registrado por Dean hasta la fecha.

Dean ha ido ganando impulso constantemente desde el lanzamiento de su exitoso LP de 2021, “Bad Romantic”. La devoción de Dean por la honestidad en la realización de “The Biggest Life” son un paso más en su madurez. con 13 canciones grabadas de forma completamente analógica en Bunker, el estudio de Robison, con un grupo de colaboradores cuidadosamente seleccionados. Es un enfoque apropiado para la música que no deja ningún lugar donde esconderse y no escatima en detalles. Mientras, Summer ofrece un álbum hecho artesanalmente, repleto de verdades universales y sin adornos, escrito e interpretado por un artista importante cuya perspectiva singular del mundo puede alterar profundamente la tuya. Como dicen en USA, sabe narrar vibrantes historias de la vida de la clase obrera convirtiendo los momentos ordinarios de la vida en extraordinarios.

GOSPELBEACH

Uno de nuestros momentos favoritos del próximo Huercasa. El sonido del grupo de Los Ángeles Gospelbeach se remonta a varias épocas de la música de California, desde el folk-rock y el sunshine pop hasta el country-rock y el Paisley underground. Liderada por Brent Rademaker, ex Beachwood Sparks y completada por amigos con ideas afines, la banda debutó con un álbum que recuperó con respeto el espíritu y el sonido de Grateful Dead de principios de los 70 (“Pacific Surf Line”,  2015) y luego avanzó unos años haciael pop tintineante de Tom Petty & the Heartbreakers en “Another Summer of Love” en 2017. Para 2019, agregaron vibraciones exuberantes inspiradas en Laurel Canyon a la mezcla en el tercer LP ”Let It Burn”y este año han editado su obra maestra «Wiggle Your Fingers», más oscuro pero con su característico toque de genialidad.

La banda se formó en 2014 en torno al vocalista y guitarrista Brent Rademaker, quien en los años 90 y 2000 se había hecho un nombre en las bandas Beachwood Sparks, Further y Tyde. Rademaker se había desencantado de la música como carrera después del lanzamiento del álbum de Beachwood Sparks de 2012 “The Tarnished Gold” y pasó algunos años en Florida, donde trabajó en una galería enmarcando obras de arte. Pero después de que Rademaker se reconectó con el baterista Tom Sanford, quien había tocado en una de las primeras formaciones de Beachwood Sparks, los dos comenzaron a tocar juntos por diversión y Rademaker sintió la necesidad de formar una nueva banda para tocar las canciones que había estado escribiendo con Sanford.

De regreso a California, Rademaker y Sanford se pusieron en contacto con el añorado Neal Casal, otro ex miembro de Beachwood Sparks que también había lanzado una carrera en solitario cuando no estaba ocupado grabando y de gira con Ryan Adams & the Cardinals y Chris Robinson Brotherhood. Para completar la formación, los tres músicos trajeron a un par de amigos, el bajista Kip Boardman y el guitarrista Jason Soda, quienes habían formado parte de la banda de acompañamiento de las Watson Twins. Naturalsound Records se acercó a ellos y no solo se ofreció a lanzar un álbum de ellos, sino que sugirió el nombre de la banda GospelbeacH, que reflejaba su pasión musical así como su herencia y estilo de California.

Su nuevo disco, “Wiggle Your Finger”, ha sido definido por la banda como “el álbum que David Geffen y el personal de A&R de Geffen Records hubieran querido que hiciéramos a finales de los 80”. Antes del lanzamiento del disco,  Brent Rademaker, líder y único miembro constante de GospelbeacH, anunció que sería el último álbum del grupo, así que la fecha de Huercasa puede ser nuestra última oportunidad de ver a esta enorme banda. Este trabajo no suena como si Rademaker se estuviera despidiendo, pero si se refleja un cierto hastío con el mundo de la música. Si Brent no está muy contento con la vida en el siglo XXI, no se le puede culpar, y eso no ha afectado negativamente a su oficio. Las diez canciones del disco están llenas de soft rock, sunshine pop, jangle pop y psicodelia, ingredientes habituales de la banda, a los que se añade un toque de new wave.

Si es lo último que van a hacer, solo nos queda dar las gracias por todo.

JENNY DON´T & THE SPURS

Jenny Don’t y los Spurs han sido pioneros en su propio camino en el mundo de la música durante más de una docena de años. Conocidos por su enérgico estilo Country Western y su cautivadora presencia en el escenario, han conseguido seguidores en todo el mundo con su entusiasmo contagioso y su extensa discografía, que incluye tres álbumes, un EP y nueve sencillos.

Su LP de 2021, “Fire on the Ridge”, amplió sus horizontes y los llevó a giras a continentes donde pocas bandas country han tenido la oportunidad de actuar, afirmando su formidable presencia en la escena de la música country. Su último lanzamiento, «Broken Hearted Blue», que se lanzará el 14 de junio de 2024, será el que presenten en Riaza.

En este disco, Jenny Don’t and the Spurs presentan 10 canciones dinámicas que canalizan la esencia de los sonidos musicales del Noroeste mientras evocan la nostalgia de la frontera occidental. El álbum estalla con la energía explosiva del tema inicial, «Flyin’ High», similar a un caballo salvaje espoleado por el estallido de un relámpago. La canción fusiona hábilmente los orígenes del garage-rock de la banda con su distintivo sonido western, caracterizado por un tempo dinámico y tonos ásperos y fuzz. Desde el principio, este álbum se afirma como un destacado en la escena de la música country, con su enfoque de rock occidental de alto octanaje que lo distingue del resto.

​Jenny Don’t se ganó su apodo en su juventud por su naturaleza independiente y de voluntad fuerte, que a menudo desafiaba a las figuras de autoridad para su consternación. Esta rebelión inherente la llevó a resonar con el auténtico espíritu fuera de la ley de la música Country Western. Nacida en Nuevo México, Jenny se mudó más tarde al estado de Washington a una edad temprana. 

Al crecer en la pobreza en una pequeña comunidad rural de Washington, Jenny pasó sus primeros años viviendo en un remolque reformado de un solo ancho. Pasó los veranos pastoreando vacas y cazando culebras entre la hierba alta y sólo podía soñar con viajar a los tipos de lugares exóticos a los que la han llevado las giras de la banda. La canción “You’re What I Need” es una oda a los fans cuyo apoyo ha hecho esto posible. “Viajar por el mundo como músico y experimentar el entusiasmo de nuestros fans que vienen a vernos es un sentimiento increíble que es difícil de expresar con palabras. Todos sentimos una inmensa gratitud hacia todos los que nos han apoyado a lo largo de los años. Ellos son los que han inspirado ‘You’re What I Need’.

NAT MYERS

Su álbum debut, “Yellow Peril”, está lleno de canciones de blues nerviosas sobre saltar trenes, quemar carreteras, huir de algún peligro pero también correr hacia algo más difícil de definir y aún más difícil de atrapar. Llenas de inteligencia y alma, contradicción y matices, estas canciones reflejan su inquietud y pasión por los viajes en sus riffs veloces, ritmos complejos y tempos rápidos, mientras se basa en una variedad de tendencias estilísticas e hilos históricos para tejer una epopeya compleja sobre la vida en los Estados Unidos post-pandémicos.

La historia de Myers comienza en Kansas, pero rápidamente se trasladó al oeste de Tennessee y luego al norte de Kentucky. Ya de niño era un espíritu inquieto: “Tuve una infancia alborotada. Mis padres me inscribieron en contra de mi voluntad para tocar en la banda de la escuela, pero lo odié”. En cambio, pasaba sus días patinando y escuchando pop-punk y hardcore. “Mi mamá me compró una guitarra para principiantes para zurdos, solo para tratar de mantenerme alejado de la gentuza con la que andaba. Seguí saliendo con ellos, pero ahora tenía una guitarra”.

Aunque desarrolló un hábil estilo de selección, Myers no albergaba grandes ambiciones de ser músico. Su verdadera pasión era la poesía, que agudizó su interés musical, especialmente por el blues que tanto amaba su padre. Estudió poesía en la New School de la ciudad de Nueva York, pero el covid lo retiró en casa y subió videos de sus actuaciones a las redes sociales. Esos clips llamaron la atención de Dan Auerbach, el líder de Black Keys, quien le llamó a Nashville. Myers y Auerbach grabaron una docena de canciones en tres días y el ambiente, al igual que la música, era de júbilo y energía.

El tema clave es “Yellow Peril”, que Myers escribió durante la pandemia, justo antes de que despegara el movimiento Stop Asian Hate. “Sabía que nos iban a culpar a nosotros, los asiáticos, por el virus. Los estadounidenses de origen asiático son el grupo demográfico de más rápido crecimiento en este país, pero también somos los más pobres en términos de brecha de riqueza en Estados Unidos. Me volví muy militante al respecto durante la pandemia y, aunque me he relajado un poco desde entonces, soy totalmente partidario del Yellow Power. Quiero que este disco levante a mis padres”.

LOS NIKIS DE LA PRADERA

Los Nikis de la Pradera son cinco: Arturo Pérez, Rafa Cabello y Joaquín Rodríguez (Los Nikis), Mauro Canut (Los Vegetales, Intronautas y Los Acusicas) y Nacho Biosca (Ataque de Caspa).

Entre los cinco suman unos 300 años de edad y muy poca historia como banda, por eso no tenemos mucho que contar.

Discípulos de los Ramones toda su vida, pero desde lo de los tres relámpagos se han pasado al country y han vendido su pedal de distorsión. Debutaron con «Mis amigos se han echado a perder». Después, presentaron «Tres acordes y la verdad». “De pronto ¡Bum! ¡Bum! ¡Bum! Tres relámpagos de golpe y una aparición. Es un espíritu, una especie de holograma que parece Patsy Cline…” Su último hit, «Soy Un Hater».¿Eres un hater justiciero? ¿Odias los selfies de ascensor y las fotos de atardeceres con citas de Paulo Coelho? Entonces, esta es tu canción del año. 

JARROD DICKERSON

Jarrod Dickenson es un guitarrista, cantante, compositor y productor, originario de Waco, Texas, que ahora reside en Nashville. Sus dos primeros álbumes le valieron elogios de la crítica y una audiencia devota a ambos lados del Atlántico. Dickenson, ha compartido escenarios con artistas tan legendarios como Bonnie Raitt, Don McLean, The Waterboys, Jools Holland y Jimmie Vaughan y actuado en prestigiosos festivales como Glastonbury y Cambridge Folk Festival. Además de su origen texano, su estatus actual como residente de Tennessee y el hecho de que bajó el alquiler lo suficiente a lo largo de los años como para merecer llamarse neoyorquino, Dickenson también es un hijo adoptivo de Belfast. Fue en la ciudad de Irlanda del Norte donde conoció a su esposa y compañera de banda Claire Dickenson, cuya voz deliciosa y versátil se ha convertido en un ingrediente central de su sonido en el escenario y en discos.

Después de una mala experiencia en el mundo de las grandes discográficas, Jarrod Dickenson existe ahora como un artista ferozmente independiente, una apariencia que le sienta bien y permite que su creatividad siga el camino que le plazca. Si el tercer álbum de estudio de Jarrod Dickenson, “Big Talk”, suena como un poderoso rugido de desafío, eso no es una elección de diseño ni una decisión de marketing. El gran tejano está ajustando cuentas por toda la ciudad y habla en serio en cada maldita palabra.

Ha sido una especie de viaje para Dickenson en los años transcurridos desde su último álbum, “Ready The Horses”. Después de que un acuerdo con un sello importante que salió mal amenazó con asfixiar su carrera, las complicaciones de Covid lo dejaron con una condición médica de por vida. La era Trump también le desmoralizó y optó por retirarse a su casa de Nashville para lamer sus heridas y escribir una colección de himnos introspectivos de autocompasión.

De todo ello, como afirma en el tema de apertura “Buckle Under Pressure”, Dickenson ha salido más fuerte. Las dificultades y la ira de los últimos años sólo han añadido rabia a la determinación de un artista que ya está dispuesto a hacerlo de la manera más difícil, preparado para enfrentarse a un negocio de la música que muestra cada vez menos respeto por el tipo de arte que lo inspiró por primera vez. Este álbum representa su cuerpo de composición más directo e intransigente hasta la fecha y la decisión de Dickenson de ocupar la silla de productor ha inyectado a “Big Talk” un impulso y coherencia que complementa la fuerza de su material. Además, ha reunido una banda de músicos feroces para darle vida a estas canciones con sorprendente autenticidad en una serie de sesiones en vivo grabadas en cinta.

El álbum cuenta con el talento de Jano Rix (The Wood Brothers) en la batería y los teclados, Ted Pecchio (Doyle Bramhall II, Tedeschi Trucks Band) en el bajo, JP Ruggieri en las guitarras y Claire Dickenson en los coros. Oliver Wood de The Wood Brothers hace una aparición especial, cantando la canción «Home Again», y Ethan Johns (Productor de Ray LaMontagne, Ryan Adams o Kings of Leon) escribió el arreglo de cuerdas para la canción que cierra el disco. Juntos crean ese sonido inconfundible que sólo surge del encuentro de grandes intérpretes, en una sala, divirtiéndose. ¿Y qué mejor manera de hacerle la vista gorda a esas entidades oscuras que inspiraron la creación del álbum que enfurecerse con tanta alegría?

En el disco suena clásico como Petty, valiente como Waits. Hay melodías al estilo de McCartney y el blues se toca con la arrogancia que usan los Rolling Stones. Y, a pesar de esas influencias, Jarrod Dickenson ha creado un sonido que es completamente suyo.

MEGHAN MAIKE

Siguiendo la auténtica tradición country, esta cantautora canadiense ha encontrado inspiración en sus viajes: de Montreal a Mississippi y ahora a Melbourne. Nacida en el folk y perfeccionada en el country, las influencias de Maike (desde los grandes; Emmylou, Gram, Neil, Lucinda hasta sus héroes independientes, The Sadies) la impulsaron a procesar el mundo a través de la composición. Vistas, sonidos, lugares, experiencias, texturas y estaciones encuentran su camino hacia la página.

Desde su niñez en una comunidad folk de la costa oeste de Canadá, Maike se sintió atraída por la animada escena musical de Montreal, una mudanza que duró un año y duró una década, y que la convirtió en un hogar para toda la vida… hasta la siguiente llamada, que llevó a Maike a la trepidante escena de Melbourne.

Las circunstancias llevaron a Maike a vivir en Clarksdale, Mississippi durante siete años. Con algo de tiempo libre y absorbiendo la magnética energía musical del delta, siguió escribiendo. Su nuevo álbum es una fiel representación del tiempo y el lugar y la relación con el delta es continua. De vuelta a a Melbourne, ha reunido una banda estelar de músicos para darle nueva luz a las canciones. Mark McCartney a la guitarra (Corporate Raiders, Silver Bullets, Vanity Project), Matthew Cotter en la batería (Even, Bagful of Beez, The Swarm), Nicholas Pollock en los teclados y Drew Parsons en el bajo.

El álbum, como la propia Maike, recorrió un largo camino hasta llegar a realizarse por completo. Las canciones crecieron en el delta del Mississippi, donde hay una sensación diferente del tiempo que parece detenerse y reservar espacio para la creatividad. Los vastos campos y los ríos sinuosos, los caminos rurales y los cielos infinitos proporcionan el marco para hablar sobre las partes difíciles de la vida; pérdida, dolor y desplazamiento. En los mismos lugares se puede encontrar la salvación, la camaradería y la verdad. El proyecto tomó forma a través de una serie de talleres de composición en su trabajo (y en su casa durante algún tiempo) en Shack Up Inn, en Clarksdale, Mississippi.

Allí, pasaron muchas noches compartiendo canciones, historias y bourbon con el creador del taller, Ralph Carter. Tenía una idea… y un estudio en Ventura, California. Allí en el estudio Ralph’s Garage se apoyaron en el talento de gente como Gary Mallaber a la batería (Steve Miller Band, Van Morrison), el compositor de Mississippi Cary Hudson a la guitarra (Blue Mountain) y el propio Ralph Carter al bajo, teclados, coros, etc. (Sugaray Rayford, Eddie Money).

Cinco días alumbraron doce canciones que esperaron más de tres años de pandemia para ver la luz y convertirse en “Dead Horse Creek”, nombre sacado de un arroyo de sus tiempos en Melbourne.

JO & SWISS KNIFE

Banda de Pamplona/Iruña que comenzó en 2014 sin demasiadas pretensiones pero que, tras haber tocado sin parar en calles y todo tipo de locales de nuestra ciudad, y alentados por la buena acogida de un público de lo más diverso, grabaron nuestro primer trabajo en 2015, «Music From Small Pink». Es un disco con 11 canciones propias que se podría enmarcar dentro de la música americana con toques de bluegrass, swing,country-rock… El disco se presentó en la sala de conferencias de Katakrak con una rotunda acogida del público que llenó la sala y una buena parte del mismo tuvo que quedarse fuera. Después de aquel día ofrecieron innumerables conciertos, primero por territorio nacional, y ya en verano de 2016 se embarcaron en una gira de 3 semanas por locales y escenarios de Francia, Bélgica, Alemania y Suiza.

Gracias a todo ese trabajo de aquel primer álbum vendieron más de 1500 copias. Musicalmente el disco está pensado y hecho para mostrar su propio estilo y buscando la naturalidad, la frescura y la gran diversidad instrumental por la que caracterizan nuestros directos. Tras aquel verano, y para el concierto fin de gira, fueron contratados por CIVICAN – Centro cultural de Fundación Caja Navarra, firmando la mejor entrada de su temporada de conciertos con más de 500 asistentes.

Además, siempre han cuidado mucho la estética de sus trabajos. Prueba de ello es que su primer videoclip «You´ll always feel free» resultó premiado en el festival Scopifest en 2015 y en 2106 recibieron el premio del público del mismo festival por «La de Buckley».

En 2017 grabaron «Flea Zircus», segundo disco. 14 nuevos temas que vieron la luz en abril y con los que buscaron definir su personalidad, ideario y estética como seña de identidad del grupo. Con él giraron por salas de todo el territorio nacional, por casas de cultura y comenzaron a aparecer en festivales como el Sweet Cotton Festival, Muddy Roots Europe (Bélgica), AWFF… siendo su concierto más sonado el ofrecido en la Ciudadela de Pamplona ante más de 2400 personas.

Paralelamente al Flea Zircus crearon el espectáculo EMPORTATS junto con la compañía La Trócola circ, con quien Jo y Swiss Knife actúan desde entonces. El show, que ha girado por toda Europa e incluso Taiwán, ha obtenido galardones como el Premio de la Generalitat Valenciana, el Mejor Espectáculo en las Noches de FETEN o el Premio del Público del Ludwigshafen Strassentheater Festival (Alemania) además de haber sido candidato a los Premios MAX.

 A principios de 2019 publicaron su último disco, «UNWANTED». Se trata seria declaración de intenciones ante los tiempos que corren, algo más rabioso y desenfrenado que los anteriores álbumes. Para ello contaron con la colaboración de otros “unwanted” como Goiatz Dutto (Moonshine Wagon), Roberto Cubero (Los Hermanos Cubero), o David (Ghost Number)con quienes han compartido vivencias en estos años de andadura.

En los últimos meses han estado presentando por capítulos cinco canciones que tendrán cabida en su nuevo disco, que se publicará dentro de poco, donde siguen caminando hacia su madurez como banda.

Como señala nuestro redactor Carlos Pérez, «En raras ocasiones se ha conseguido actualizar el bluegrass tradicional en nuestro país en un formato de banda amplificada con la fidelidad y sabiduría como lo han hecho Jo & Swiss Knife…»

Aquí os dejamos nuestras fotos de Huercasa 2023

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